Hitchcock

  • Genauer Blick

    Filmstreifen wird mit Lupe betrachtet

    Der genaue Blick auf den Film macht die Analyse erst möglich

    Über Filme sprechen und nachdenken gehört zu den Aufgaben, die vor allem an Schulen und Universitäten eine Vielzahl von Fragen aufwerfen. Immer wieder geben Dozenten ihren Studenten den Auftrag, Szenen oder ganze Filme zu analysieren, Grund genug einmal über den möglichen Aufbau einer solchen Analyse Gedanken zu machen.

     

    Dabei gibt es je nach Unterrichts- oder Studienfach hierfür unterschiedliche Schwerpunkte. Es gibt beispielsweise semiotische (filmsprachliche), psychologische, kommunikationswissenschaftliche, soziologische oder kunstwissenschaftliche Ansätze.

     

    Grundsätzlich werden in der klassischen Filmanalyse die formalen, filmtechnischen Mittel unterschieden von den inhaltlichen Aspekten. Eine gute Filmanalyse sollte heute jedoch genau diese beiden Welten sachlich begründet miteinander zu verknüpfen versuchen. Filmdozenten greifen seltsamerweise fast immer auf die gleichen Filme zurück, die ihre Studenten erforschen sollen. Klassiker der Filmgeschichte führen hier ganz eindeutig, Titel wie "Psycho", "Die Vögel", "North by Northwest" gehören zu den unangefochtenen Spitzenreitern.

     

    Sequenzanalyse

    Filme bestehen aus einer Vielzahl gestalterischer Elemente, darunter neben der Story und den Charakteren Gestaltungsmittel wie Ton, Licht, die Kameraführung, die Bildkomposition oder der Schnitt. Um eine solche Arbeit nicht zu umfangreich werden zu lassen, sucht man sich eine oder mehrere wichtige Sequenzen aus einem Film aus und analysiert diese stellvertretend für den ganzen Film.

     

    All diese Elemente werden in der Regel sehr gezielt eingesetzt um eine gewünschte Wirkung beim Zuschauer zu erzielen. Im Umkehrschluss macht es durchaus Sinn, um Filmsprache zu begreifen, diese verwendeten Mittel zu analysieren.

     

    Neben dem Film selbst ist die Basis der Sequenzanalyse das Sequenzprotokoll einer oder mehrerer wichtiger Szenen eines bestimmten Filmes.

     

    Filminhalt

    Die Sequenzanalyse geht weit über das reine Protokollieren der gestalterischen Elemente hinaus. In der Regel beginnt die Sequenzanalyse mit allgemeinen Informationen über den Film, den Regisseur sowie einer Inhaltsangabe. Gleichzeitig geht es auch darum ein Gefühl für die Struktur eines Films zu entwickeln. Je nach dem besonderen Aspekt der Analyse können bestimmte Schwerpunkte, etwa die Bedeutung und Charakterisierung der Figuren (Charakterlinie, Körpersprache), Motive des Handelns oder Gewaltdarstellungen besonders berücksichtigt werden. Welche Emotionen vermittelt der Film?

     

    Stichworte: Handlungsstränge, Handlungsverlauf, Erzählstruktur, Erzählweise, Erzählung  ( Erzählhaltung, Erzählperspektiven), Mittelpunkt, Nebenfiguren, Gegenspieler, Helden, Verlauf der Geschichte, Dramaturgie, Spannung, Höhepunkt, Schlüsselszene, Spannungsbogen, Handlungsort, Parallel (Drehbuch)

     

    Kategorien

    In der filmwissenschaftlichen Arbeit können auch Erläuterungen zu den verschiedenen Kategorien vorangestellt werden, sowie Anmerkungen etwa zu der Zeitbasis auf die man sich stützt, etc. Auch statistische Angaben, etwa, wie viele Einstellungen, wie viele Szenen der Film besitzt, und welche durchschnittliche Länge die Einstellungen haben, können hier Erwähnung finden.

     

    Steigt man in die Sequenzanalyse ein, so werden Schlussfolgerungen aus dem Sequenzprotokoll formuliert. Etwa, welche Unterschiede in der Länge der einzelnen Einstellungen aufgefallen sind und aus welchen dramaturgischen Absichten diese möglicherweise so gewählt wurden.

     

    Kamera

    Filmstreifen wird vermessen

    Welche Kriterien sind sinnvoll und kann man Film überhaupt theoretisch erfassen?

    Welche Einstellungsgrößen, welche Perspektiven, welche Kamerabewegungen?

     

    Beispiel zu Kamera & Einstellungsgröße: "Zu Beginn der Sequenz werden für die Beschreibung der Örtlichkeit und der Beziehung von Malvin und Lara auffallend viele Totalen, Amerikanische und Halbnahe verwendet, Größen die es uns erlauben, einen Überblick zu gewinnen und die Charaktere in ihrem Handeln genau zu erfassen.

     

    Mit Beginn der Bedrohung verdichten sich die Bilder zu Nahen und kurz vor dem Rettungssprung aus der U-Bahn- mehreren Großaufnahmen. Über 20 immer enger werdende Einstellungen verdeutlichen die zerstörte Harmonie. usw."

     

    Stichworte: Schuss/Gegenschuss, Bewegungsachse, Bewegungsrichtung, Perspektive, Fahrten, Schwenks, Einstellungsgröße, Bildausschnitt, Zoom, Bildbegrenzung, Bildkomposition, Vordergrund, Hintergrund, Kamerabewegungen,  Aufsicht, Untersicht

     

    Schnitt

    Welches sind die häufigsten Einstellungslängen, kurze oder längere? Wo findet man welche Art von Schnitten? Wo findet man Auf- Ab, Überblendungen. Wie sind die verschiedenen Einstellungen miteinander rhythmisch verknüpft?

     

    Beispiel zum Tempo/Schnitt: "Die ersten 12 Einstellungen in denen die Hauptfiguren Malvin und Lara vorgestellt werden, sind überproportional lang, einige davon länger als 30 Sekunden. Während die Beziehung der Beiden sowie die Örtlichkeit etabliert wird, hat der Rhythmus einem gleichmässigen Fluss. Das ändert sich, als die Bedrohung der Beiden durch Laras früheren, gewalttätigen Freund deutlich wird und die Schnittfolge sich deutlich beschleunigt. Die Einstellungen werden kürzer, als der Freund das Paar in dem U-Bahn Abteil angreift. Die Sequenz läuft auf ihren Höhepunkt zu, als Malvin und Lara der Sprung aus der sich schließenden U-Bahntür gelingt und ihre Erleichterung sich in einer langen ruhigen Einstellung auflöst. usw."

     

    Wichtige Stichworte: Parallelmontage, Tempobeschleunigung, Verlangsamung, Auf-, Abblende, Überblendung, Sequenzanfang,- ende, Einstellungen, Einstellungsdauer, Tempo, Ruhe, Schnittfolge

     

     

    Bildinhalt, Ausstattung

    Welche Räume, Landschaften, künstliche Hintergründe oder computergenerierte Bilder (CGI) werden wann wie verwendet? Welche Bedeutung hat das Lichtin dem Film? Wirkt es natürlich oder eher Effekt- Unterstreichend? Auf welche Weise werden die Filmfiguren durch Kostüme, Maskeetc. charakterisiert? Gibt es eine Farbsymbolik im Film und wenn ja, welche?

     

    Ton

    Tonebene

    In welcher Form kommt Sprache vor? (Schriften, Titel, Untertitel, Einblendungen / Dialoge, Kommentar, Erzähler etc.) Was kann man über die Stimmen im Ton aussagen? Welche Bedeutung hat der Ton im Verhältnis zum Bild? Wie werden Geräusche und Atmos verwendet, wie die Musik? (Ton) Auf welche Weise werden die verschiedenen Ebenen im Sound-Design miteinander verknüpft? Wie sind die Übergänge des Tons zwischen den einzelnen Szenen, hart oder fließend weich ineinander geblendet? Gibt es bewusste Tonlöcher- Stille, die vielleicht den Zuschauer irritieren, ja ängstigen soll? Ist der Ton in Stereo, 5.1 oder 7.1 auf der Tonspur vorhanden?

     

    Stichworte: Laut, leise, Parallelismus, Kontrapunktik, sensibel, ausgewogen, Originalton, Synchronisation, Filmmusik, Tonspur, durchkomponiert, Musiknummern, emotional, auf eine bestimmte Epoche verweisend, unmerklich.

     

    Sequenzprotokoll

    Das Szenenprotokoll ist im Wesentlichen eine tabellarische Auflistung der einzelnen Einstellungen einer Sequenz oder Szene in welcher zu jeder Einstellung Informationen zu verschiedenen gestalterischen Elementen protokolliert werden.

     

    Die Tabelle kennt also mehrere Spalten, in deren Kopfzeile jeweils die gewünschten Kategorien als Überschriften eingefügt werden. Das können sein: Nummer der Einstellung, Der Zeitpunkt innerhalb des Films, Die Dauer, Die Einstellungsgröße, Bildinhalt und Aufbau, Die Handlung, Licht und Farbe, Kameraposition, Bewegungen, Effekte, Ton etc.

     

    Es bietet sich an, für eine solche Tabelle das A4 Querformat zu wählen, um ausreichend Spalten für die gewünschten Kategorien zur Verfügung zu haben. Hier ein Download einer typischen Tabelle für das Herstellen eines Sequenzprotokolls ([Redaktion: Download wird bald bereitgestellt]). Wer über die technischen Möglichkeiten verfügt, sich Standbilder aus der entsprechende Szene zu speichern, kann auch eine Spalte der Tabelle für Einstellungsfotos reservieren.

     

    Details

    Die meisten Filmanalysen verlieren sich bedauerlicherweise in einer pedantischen Auflistung von Details, ohne aber den großen Zusammenhang des Filmwerks wirklich zu erspüren. Statt einer reich mechanistischen Fleißarbeit sollte man stets versuchen, gewonnene Informationen über den Einsatz bestimmter Gestaltungsmittel in Bezug zu setzen zu dramaturgischen Notwendigkeiten oder etwa filmgeschichtlichen Zusammenhängen. Denn eine Filmanalyse ohne Erkenntnisgewinn bleibt letztlich reines Tabellenfüllen.

     

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    Wenn wir ins Kino gehen, möchten wir vor allem eines: bewegt werden. Wir wollen mit dem Protagonisten erfahren, wie es ist, von seiner ewigen Liebe verlassen zu werden, wir wollen die Freude fühlen, wenn sie wieder zu ihm zurückkommt. Wir wollen uns aber mit wahrscheinlich ähnlicher Intensität vor dem bleichgesichtigen, kahlköpfigen Frauenmörder fürchten und mit der obligatorischen Gruppe Opfer, mit denen wir uns identifizieren können, um deren Leben rennen. Angst ist, wie Hass oder Liebe, eine gewichtige Emotion, die das menschliche Bewusstsein entscheidend prägt. Und weil Angst eine Emotion ist, die in der realen Welt einen durchaus berechtigten, in der Regel unangenehmen Grund haben kann, genießen wir es, im Kino zu sitzen, um dort in einer anderen Welt gemütlich und folgenfrei Angst haben zu dürfen.

     

    Stumme Monster

     

     

    Über die Lust am Angsthaben wurde man sich schon in der Pionierzeit des Mediums Film bewusst. Und zwar in Deutschland. 1920 kam Robert Wienes Stummfilm „Das Kabinett des Dr. Caligari“ in die Kinos und konfrontierte sein Publikum mit Visionen des Verlusts der Kontrolle und des Wahnsinns. Thematik wie Machart des Films stehen ganz im Sinne des Expressionismus, der nun sein künstlerisches Wirkungsfeld auch auf die Kinoleinwand projizierte. Besonders erwähnenswert sind die Bauten Hermann Warms, die perspektivisch verzerrt wesentlich zu der surrealen Stimmung des Films beitragen.

     

    Das Genre des Vampirfilms etablierte sich nur zwei Jahre später ebenfalls in Deutschland mit dem Film „Nosferatu - Eine Symphonie des Grauens“ (1922) von F. W. Murnau. Dieser Stummfilm ist eine nicht autorisierte Adaption des Romans "Dracula" von Bram Stoker. Die schauspielerische Präsenz des Hauptdarstellers Max Schreck verstörte das Publikum der Zwanziger Jahre derart, dass es annahm, der Schauspieler sei tatsächlich ein Vampir. Mit diesem Gedanken spielt im Übrigen die gelungene Horrorkomödie „Shadow of the Vampire“ (2000), in der John Malkovich Murnau und Willam Dafoe Max Schreck darstellt.

     

    Monster en masse

    Weitere Meilensteine des Horrorfilms wurden dann jenseits des großen Teichs in der Goldenen Ära Hollywoods, den Dreißiger Jahren, gesetzt. Den Start machte 1931 Tod Brownings Tonfilm "Dracula" mit Bela Lugosi in der Titelrolle. Allein dessen extrem starker ungarischer Akzent verbreitete Angst und Schrecken in den Kinosälen seiner Zeit. Nach diesem kommerziell sehr erfolgreichen Gruselschocker leckte Universal Pictures Blut und startete eine Serie von Monsterfilmen, wie zum Beispiel „Frankenstein“ (1931) mit Boris Karloff in der Rolle des erweckten Monsters, „The Mummy“, ebenfalls mit Boris Karloff in der Rolle eines weiteren erweckten Monsters, und etwas später „The Wolf Man“ (1941) mit Lon Chaney, Jr. Die Kinoleinwand war bis zum Rand gefüllt mit unsichtbaren Männern, ungelenken Riesenaffen, durchgeknallten Wissenschaftlern und untoten Aristokraten. In den Vierziger Jahren schreckten die Studios nicht einmal davor zurück, Monsterkombinationsfilme wie „Frankenstein Meets The Wolf Man“ (1943) zu produzieren. In „The House of Frankenstein“(1944) und „The House of Dracula“(1945) gesellte sich gar zusätzlich Graf Dracula zu dem konkurrierenden Zweiergespann.

     

    Diese klassisch gestrickten Horrorthemen fanden in den späten fünfziger und den sechziger Jahren ihre Fortsetzung in einer aufgepeppten Fassung: Die britische Filmproduktionsfirma HAMMER FILMS landete 1957 mit „The Curse of Frankenstein“ einen Welthit und machte die Schauspieler Peter Cushing (Frankenstein) und Christopher Lee (Die Kreatur) über Nacht zu Stars. In den Folgejahren lief die Produktion von B-Horror-Filmen in den Hammer-Studios auf Hochtouren. Von den Kritikern verachtet und von Publikum geliebt etablierten sich die Hammer Filme als Garant für Schock und Schauer.

     

    Was die Hammer-Studios in England waren, repräsentierte Roger Corman zu dieser Zeit in den USA. Auch er produzierte kostengünstig Gruselfilme am laufenden Band, weshalb er verdientermaßen als „King of the Bs“ (König der B-Filme) in die Filmgeschichte eingegangen ist. Nach dem kommerziellen Erfolg von „House of Usher“ (1960) produzierte Corman eine Reihe weiterer Edgar-Allen-Poe-Verfilmungen, durch die z. B. Vincent Price und Jack Nicholson zu Stars wurden.

     

    Monster im Kopf

    1960 ist für die Geschichte des Horrorfilms ein äußerst wichtiges Datum: Alfred Hitchcocks „Psycho“ erblickte das Licht der Kinoleinwand und alles veränderte sich. War man es davor gewohnt, sich vor klassisch-fantastischen Gestalten wie Vampiren, Werwölfen und Konsorten zu gruseln, wurde auf einmal die menschliche Psyche die Quelle der Angst. Nach und nach verschwanden also die tapsigen Monster und machten Platz für messerschwingende Ideal-Schwiegersöhne. Im gleichen Jahr lief auch Michael Powells „Peeping Tom“ an, in dem die subjektive Kamera dafür sorgt, dass der Zuschauer aus der Sicht eines jungen Serienkillers zum Voyeur wird. Neben Hitchcock verstand es besonders der polnische Regisseur Roman Polanski, sein Publikum mit Filmen wie „Repulsion“ (1965) und „Rosemary's Baby“ (1968) mit dem zu schockieren, was es nicht sieht, sondern sich vorstellen muss.

     

    Schlitzende Monster

    In den Siebziger Jahren wurde diese filmideologische Formel einfach herumgedreht: Schocken durch möglichst detaillierte Darstellung von Gewalt. Der diesem Credo folgende Film „The Texas Chainsaw Massacre“ schuf 1974 das Genre des Splatterfilms, welches dann 1978 mit John Carpenters „Halloween“ um das Sub-Genre „Teenie-Splatterfilm“ (oder auch „Teenie-Schlitzer“) erweitert wurde. Im Grunde besann man sich hier zurück auf die einfache Formel der frühen Monsterfilme; lediglich die im Nachtwind wehenden Röcke der Opfer wurden kürzer, die Opfer an sich jünger und die Monster Psychopathen. Dieses Gerüst erwies sich als derart ertragreich, dass man in den Achziger Jahren dem Fortsetzungskult bewehrter Konzepte bis ins Unendliche frönte: Neben Fortsetzungsreihen wie „Friday the 13th“ und „Nightmare on Elm Street“ von Wes Craven existieren allein acht Halloween-Filme. Mitte der Neunziger Jahre erlebte der Teenie-Schlitzer mit dem Film „Scream“ (1996) eine Renaissance, indem er seine einfache Struktur entlarvte und somit die ohnehin von vorn herein gegebene unfreiwillige Komik bewusst einsetzte.

     

    Ein weiteres wichtiges Element im Horrorfilm ist der Glaube. William Friedkins „The Exorcist“ (1973) lies z. B. den Teufel höchstpersönlich in den Körper eines unschuldigen Mädchens schlüpfen und „The Omen“ (1976) spielte mit dem Gedanken, Luzifer den apokalyptischen Weltuntergang auf wirtschaftlichem Wege erreichen zu lassen. Besonders diese beiden Filme zeigen, dass es in der Welt der Horrorfilme eben doch nichts Böseres gibt, als das Böse an sich.

     

    Man sieht also, dass der Horrorfilm eine Geschichte hat, die bis an den Ursprung des Filmemachens zurückreicht. Schon lange ist der Horrorfilm nicht mehr aus den Kinos wegzudenken. Erfolge wie „The Sixth Sense“ (1999) und „The Others“ (2001) oder auch die Persiflagen in der "Scary Movie"-Reihe zeigen, dass das Geschäft mit dem Gruseln nach wie vor bestand hat. Denn im Kino Angst haben macht einfach Spaß.

    Daniel Vogelmann

     

  • SpannungsbogenGanz gleich, ob man ein Buch, ein Theaterstück oder einen Film betrachtet, um die Zuschauer bzw. Zuhörer oder Leser zu fesseln, sind Spannungsbögen wichtig

  • Nein, Hitchcock hat den Begriff nicht erfunden, wohl aber seine meisterliche Anwendung für das Kino. Wozu ist Suspense gut und wie setzt man sie ein?

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